Les trépieds sont des objets très particuliers pour le culte d’Apollon. Selon le mythe, Hercules est allé à l’oracle de Delphes pour demander ce qu’il devrait faire pour être expié du meurtre de Iphitos. L’oracle ne voulait pas lui donner un présage. Le héros fut ainsi furieux et il a attrapé le trépied sur lequel la Pythie s’asseyait afin de prononcer ses oracles. Apollon a essayé de l’empêcher et cela a abouti à un combat entre le dieu et le héros. Enfin, Zeus a dû intervenir pour mettre fin à cette querelle. Cette tradition, cependant, a inspiré les iconographes, alors que le trépied est devenu un objet de culte fondamental. Dans la période géométrique, les trépieds ont été fixés aux bassins qu’ils soutenaient. Dans le musée de Delphes, il y a des fragments de ces trépieds, dont le plus distinctif est celui avec une poignée ronde, en forme d’anneau.

Homère mentionne souvent ces objets dans ses poèmes. Ils semblent être de précieux cadeaux pour les invités, comme dans le cas des Phéaciens, qui ont offert un bassin et un trépied à Ulysses.

Déjà les vêtements destinés à l’étranger sont renfermés dans un coffre poli, ainsi que l’or richement travaillé et tous les dons que les chefs des Phéaciens apportèrent en ces lieux. Il faut maintenant que chacun de vous lui donne un grand trépied avec un bassin ; puis nous demanderons une rétribution au peuple rassemblé ;

                                                                               Odyssée, 13.10-15

À la fin de la période géométrique est introduite une innovation: les trépieds sont détachés du  bassin de bronze, qui est maintenant placé sur eux. Dans le musée il y a un exemple caractéristique: sur un trépied fin de bronze avec des jambes minces en bronze moulu, se reposait un grand bassin globulaire. Sur sa lèvre il y a des têtes  de griffons et de lions, ainsi que des figures féminines ailées, éventuellement des sirènes. Ces créatures proviennent du Moyen-Orient, alors que la technique de la coulée suivie par martelage fait également allusion à des ateliers orientaux.

Une méthode habituelle pour la décoration de meubles et objets en bois ont été les carreaux incrustés de caractère décoratif ou narrative. Ces carreaux peuvent être en métal (généralement en cuivre, mais aussi d’or ou d’argent) ou même d’ivoire. Dans le musée archéologique de Delphes sont exposées deux carreaux d’ivoire (dans la salle des statues en or et ivoire) représentant des créatures mythiques ainsi que des carreaux de bronze représentant des scènes mythologiques connus.

L’un présente la représentation du Travail d’ Hercules à attraper le Sanglier d’ Erymanthe. Eurysthée, roi de Tirynthe, avait demandé à Hercules à capturer vivant le sanglier que Artémis avait offert comme présent à Erymanthos, parce que la bête sauvage détruisait les récoltes et tuait les autres animaux. Même les Centaures de la forêt de Pholoé, dans l’est de Hélis, ont été agacés par son activité. Hercules a réussi à capturer le sanglier en utilisant un leurre en l’approchant par le côté. Après l’avoir attaché,  il a transporté la bête a Eurystheus, qui se cachat dans une jarre, tout à fait terrifié. L’incident a probablement été considéré amusant par les artistes de la période archaïque, qui l’ ont représenté sur des vaisseaux a figures rouges (amphore d’Oltos, 510 av. J.-C, Le Louvre) et à figures noires (par exemple Amphora de Vulci, environs 550 av. J.-C, British Museum). L’exploit est également représenté sur les métopes du temple de Zeus d’Olympie, vers la moitié du 5ème siècle avant J.-C. Cet exemple particulier du musée de Delphes est le seul connu en bronze et  date de la seconde moitié du 6ème siècle avant J.-C. Tout aussi amusant était peut-être l’incident de la fuite d’Ulysse et de ses compagnons de la grotte du cyclope Polyphème, qui constitue le thème du deuxième carreau de bronze. Ulysse ou un de ses compagnons est représenté accroché au ventre d’un bélier dans son effort d’échapper. Il est possible que ce carreaux a été accompagné par d’autres illustrant l’aveuglement de Polyphème ou d’autres incidents de l’Odyssée.

Kleovis and Viton or the Dioscuoi

The two monumental archaic statues were discovered during the archaeological excavations of 1893-4 close to the Treasury of the Athenians. The two yougnmen, probably originally standing one next to the other, are naked, in the kouros type, and look very much alike. Their left foot is stepping forward, whereas their hands are bent at the elbows, touching the thighs and with tightly closed fists.  The body and the anatomic details are rendered in a dynamic style. The hair form spiral curls over the forefront and hang in wavy tresses on the shoulders and the back. The large, almond-shaped eyes are crowned by high eyebrows, whereas the face bears an archaic smile. They wore sandals, of which the high soles are discerned.  The figures step on different stepping stones but were standing on the same pedestal. According to the inscription partially preserved on the stepping stone of one of the statues they were made by the Argive sculptor Polymedes and constituted an ex voto of the Argives to Apollo. The date suggested is ca. 580 B.C. They are considered a typical specimen of the archaic sculpture of the Peloponnese.

Identification

Formerly, the statues were identified with Kleovis and Viton, sons of a priestess of Hera originating from Argos. According to an ancient tradition, recorded by Herodotus, the two brothers took the place of oxen and dragged their mother’s chariot to the sanctuary of Hera, taking their mother there on time fo the celebration of the Heraea. In return, she asked the goddess to reward them with the best thing a man would ever desire; Hera bestowed on them a calm death in their sleep. 

A more recent interpretation, however, based on a careful reading of the inscription FΑΝΑΚΩΝ, i.e. “the Kings”, led to their identification with the Dioscuroi, sons of Zeus and Leda and siblings of Helen of Troy. Castor and Pollux were honoured as “Anakes” in Argos. 

No matter what their actual identity is, however, their features are typical of an argive workshop. The torso and arms are rather short, whereas the breast is lifted up and the thorax is marked by an incision. The head is almost cubical and the broad face is flanked by curls reminging of the daedalic statues. The whole composition is “heavier” and sturdier than in the works of the attic and ionic workshops.

Parmi les inscriptions qui couvrent le mur sud du Trésor des Athéniens, qui préservent surtout des décrets honorifiques pour les citoyens d’Athènes, se démarquent deux inscriptions qui ont attiré l’attention des épigraphistes, car il était évident qu’ils enregistraient des versets poétiques. Un examen plus attentif a prouvé qu’ils étaient deux anciens hymnes à Apollon, sur un total d’environ cinquant connus hymnes provenant de la Grèce antique. L’examen de ces hymnes en relation avec d’autres inscriptions du site archéologique de Delphes a prouvé que les hymnes ont été composées par le chanteur Athénée, fils d’Athénée, et le musicien Limenius, fils de Thoinos. Les hymnes ont été composées à l’occasion de la Pythaide de 128 avant J.-C., la procession rituelle des Athéniens vers Delphes. Nous savons que l’exécution de l’un des deux hymnes a reçu un prix.

Entre les lignes des versets sont inscrits des symboles musicaux, qui ont été interprétés par les experts grâce à un traité par Alypius, un musicographe de l’Antiquité tardive (3e siècle de notre ère). Le premier hymne est composé de quatre positions, dont trois sont existantes. Le deuxième hymne était beaucoup plus grand: il avait neuf positions et il finissait avec un “prosodion”, à savoir une fermeture jubilatoire.

Le sujet des hymnes est naturellement lié à divers événements de la vie du dieu, comme sa naissance, sa venue à Delphes, etc. La contribution du dieu à la lutte contre les Galates est également saluée.

Ces hymnes ont été minutieusement examinés par des musicologues et il y a eu de nombreux efforts de les exécuter avec des répliques d’instruments de musique anciennes. La première fois qu’ils ont été exécutés était en 1894, un an seulement après leur découverte, lors de la convention internationale de sports pour la fondation des Jeux Olympiques modernes.

Dans l’antiquité, comme souvent de nos jours, les ex-voto aux dieux étaient considérés comme sacrés et donc il était interdit de les vendre ou de les transformer. Les ex-voto qui ont été détruits par une cause naturelle ou lesquels, pour une raison quelconque, ont été considérés superflus, étaient généralement enterrés à proximité du sanctuaire. Ceci est probablement ce qui est arrivé au milieu du 5ème siècle, quand une incendie a détruit plusieurs ex-votos précieux qui ont été ensuite enterrés dans une fosse le long de la Voie Sacrée, face à l’Aire.
Certains parmi eux constituaient sans doute  un groupe de statues en or et en ivoire représentant la triade apollinienne, à savoir Apollo, Artémis et Léto. Les chercheurs ont lié ces trouvailles aux ex-votos somptueux de Crésus, roi de Lydie,  décrits avec tant d’éloquence par Hérodote. L’identification reste cependant incertaine; ce qui est certain c’est que les œuvres sont des magnifiques créations du milieu du 6ème siècle avant J.-C., provenant des ateliers d’Ionie, ou, dans certains cas, de Corinthe.

Apollo porte le doux sourire archaïque. Sa chevelure est faite d’argent doré, alors que les deux grandes boucles encadrant la tête et tombant sur les épaules sont faites d’un plomb d’or. Seule la partie avant des  pieds est conservée, car le reste a été couvert par les vêtements. Le dieu tenait à la main soit le bol d’argent doré soit la tasse d’argent exposée dans la même fenêtre. L’œuvre a été attribué à un atelier de Corinthe, avec quelques-uns des carreaux de miniature en ivoire avec décor en relief, qui décoraient sans doute le dos du trône de Dieu. Sur une de ces tuiles est représentée une scène de la campagne des Argonautes: les fils de Voreas, Zythès et Kalais, persécutent les Harpyiae qui tourmentaient le devin Phineas, et, en échange, celui-ci  les conseille sur la façon d’atteindre Colchide. Une autre scène remarquable sur les carreaux fragmentairement conservés est celui du départ d’un guerrier sur un charriot.

La douceur de l’expression d’Artémis, qui porte un diadème en or et des rosettes à la place de boucles d’oreilles, remonte à l’art de Samos. Deux grandes feuilles d’or rectangulaires ornaient probablement le vêtement de la déesse. Ils ont été décorés avec des représentations d’animaux réels et mythologiques: une gazelle, un lion, un taureau, un cerf, un Pégase, un griffon, un sphinx. Comme dans le cas d’Apollon, les yeux et les sourcils sont incrustés. Α la même statue appartenait probablement la main gauche avec bracelet en or. En dehors de la troisième tête (de Léto) sont compris également des membres d’autres statues. En outre, des éléments décoratifs d’or sont conservés, parmi lesquelles des carreaux avec des représentations de Gorgo, Pégasus et Griffon, ainsi que des rosettes, des anthèmes et des éléments floraux. Le groupe est complété avec des feuilles d’or, sous la forme de boucles, des parties de vêtements, diadèmes et un collier de têtes de lions. Dans la même vitrine sont exposées d’autres trouvailles de cette fosse, telles que quatre sphinx de bronze sur chapiteaux corinthiens, des parties d’une flûte en os, des parties d’un bol d’argent doré, des poignées de marmites en bronze, dont deux sous la forme d’ une sirène avec les ailes ouvertes, une base d’un brûleur d’encens en bronze (il porte une inscription qui le lie à Crésus), plusieurs tuiles en os qui ornaient un mobilier ou un autre objet en bois, deux sphinx en terre cuite face l’une a l’autre, trois têtes de femmes en terre cuite ainsi que plusieurs pointes de flèche en cuivre et des pointes de lance en fer.

Parmi objets relativement peu de poterie au musée de Delphes compte une cylix en fond blanc avec une représentation d’Apollon; elle a été trouvée dans un dépotoir où les ex-voto de tombeaux avaient été déposés, lorsque ceux-ci avaient été nettoyés. C’est un œuvre magnifique  d’un atelier attique. A l’intérieur de la cylix est représenté Apollon avec une coiffure élaborée et une couronne de laurier sur la tête, assis sur un tabouret pliant, dont les jambes aboutissent aux pattes de lion. Le dieu porte une tunique blanche, un himation (manteau) rouge et des sandales. Une lyre à sept cordes est attachée à sa main gauche avec une bande rouge, tandis que avec sa main droite, il verse une libation d’un bol peu profond décoré de motifs en relief. En face du Dieu est rendu un oiseau noir, pour lequel plusieurs explications ont été proposées: il est identifié soit comme oiseau plaine oraculaire soit comme un corbeau qui a apporté à Apollon le message que sa bien-aimée Koronis, fille du roi Phlégyas, allait se marier. Ce travail exquis remonte à la décennie 480-470 av. J.-C.  La scène représentée évoque d’une manière artistique merveilleuse le verset du deuxième hymne à Apollon trouvé inscrit sur le mur sud du Trésor des Athéniens: «Chantez pour le Pythios qui a les cheveux d’or, qui vise loin avec son arc et ses flèches et joue bien la lyre.»

Dans la dernière galerie du musée de Delphes est exposé la trouvaille la plus magnifique, c’est à  dire  l’Aurige, provenant de l’ex-voto de Polyzalos, tyran de la ville sicilienne Gela. Polyzalos avait gagné apparemment la course de chars aux Jeux Pythiques de 478 ou 474 av. J-C.; il a été supporté, cependant, que l’ ex-voto honorifique était installé pour commémorer  la victoire de son frère, Ieron, en 470 avant J.-C., qui avait également gagné aux Jeux Olympiques, ayant aussi consacré là  un autre ex voto similaire. Malgré les vues contradictoires, il est presque certain que le complexe, composé d’un char tiré par quatre chevaux, l’Aurige et deux garçons d’écurie, a été fait pour être regardé de l’avant et de la côté gauche, comme il avait été placé sur le côté droit de la Voie Sacrée, où la route devient particulièrement escarpée, juste avant le temple d’Apollon. Il est également presque certain que les deux garçons d’écurie marchaient à pied, conduisant deux chevaux sur les côtés droit et gauche du char. Dans une vitrine s’ est affichée la main de l’un avec une partie de la bride et une partie des chevaux. Le complexe a probablement été détruit par le tremblement de terre de 373 av. J.-C.et a  été enterré ensuite, comme c’était le cas avec les ex-votos qui ne pouvaient pas être gâchés.

L’Aurige, dont seulement la main gauche est manquante, porte une longue tunique en draperie riche, attachée en haut, sous la poitrine, avec une ceinture qui se replie à l’arrière. Dans sa main droite, en dehors des brides existantes, il tenait aussi un fouet. Ses pieds nus s’appuient fermement sur le sol et sont rendus en plein détail, ce qui fait penser  au sculpteur de bronze Pythagore de la ville de Rhegion (qui était pourtant né à Samos); Pline écrivait qu’il pouvait rendre même les veines sous la peau.

La tête de l’Aurige est large, presque carrée, tandis que le jeune visage ovale se caractérise par des lignes austères sur le nez et les sourcils. Les lèvres sont couvertes par une feuille de cuivre rougeâtre et à l’arrière, entre les lèvres charnues qui pondent entrouvertes, on peut vaguement discerner quatre dents d’argent. Ses yeux sont incrustés d’émail blanc pour l’ampoule, de pierre brun  et noire pour l’iris et la pupille. Le regard est rempli d’intensité modérée, de simplicité et de sérénité victorieuse. Les cheveux sont rendus plutot avec des incisions qu’ en relief et il sont détenus par une large bande avec un méandre en argent et cuivre. La statue entière vibre avec un léger mouvement hélicoïdal vers la droite.

En dehors de Pythagore, l’Aurige a été également liée à l’œuvre de Critias ou Kalamis, mais les données existantes ne permettent pas une identification certaine avec un des artistes bien connus. La seule chose certaine est qu’il constitue un chef-d’œuvre de la sculpture grecque, avec des caractéristiques qui le constituent profondément humain et spirituel, évoquant un charme qui touche les racines de la civilisation occidentale et les parties les plus profondes de l’âme humaine.
Il est pour cette raison que les nouvelles sur sa découverte au cours de la Grande Fouille ont été réparties dans le monde entier, évoquant des frissons au-delà de la curiosité purement scientifique.

Dans une vitrine au milieu de la gallerie 9 est exposé un brûleur d’encens magnifique en cuivre, sous forme d’une peploforos portant un chaudron où l’on plaçait l’encens.

La figure féminine porte le peplos dorique et a ses cheveux attachés en forme d’un «kekryphalos”, une couverture de tête sous forme de nette. Elle s’appuie sur sa jambe droite, tandis que la jambe gauche est levée, prête à marcher. Son visage est réglé vers la droite. La façade est très élaborée, tandis que l’arrière est plus grossier. Sur la circonférence s’appuyait un couvercle perforé pour laisser les fumées disperser dans l’air, aujourd’hui  perdu.

L’objet a probablement été produit dans un atelier de Paros vers 460-450 av. J.-C., tandis que quelques vues suggèrent qu’il provient d’un atelier local de Delphes, ou même d’un atelier d’une cité  quiconque de la Baie Corinthienne. Il a  été découvert dans la fosse de la Voie Sacrée, avec d’autres objets de bronze ainsi quε des ex-votos précieux.

A la sortie du musée, il ya deux objets qui ont été liés au prêtre le plus célèbre à Delphes, l’ historien du 1er-2ème siècle de notre ère, Plutarque de Chéronée. Plutarque fut né dans une famille de l’élite locale de la ville béotienne de Chéronée et a reçu une excellente éducation, d’abord par son grand-père Lamprias puis dans les écoles philosophiques d’Athènes. Il se leva aux offices politiques locaux dans sa ville natale; plus tard, le Romain Mestrius Florus, un fonctionnaire de premier rang qui est devenu proconsul d’Asie,  est devenu son patron. Αprès avoir beaucoup voyagé et s’ être érigé à la hiérarchie romaine, Plutarque s’est retourné à Chéronée et a ensuite assumé la prêtrise à Delphes, où il a passé les 30 dernières années de sa vie.

La tête d’un philosophe datant du 2ème siècle après J.-C avait autrefois été identifié avec celle de Plutarque. L’homme, bien que barbu, s’est représenté dans une âge relativement jeune. Sa barbe et les cheveux sont rendus avec des masses volumineuses et avec des fines incisions. Le regard est profond et pensif, rendu à l’aide des paupières lourdes et les iris et les pupilles incisées de ses yeux.
Tout près du portrait est conservée une stèle hermaïque fragmentaire qui a probablement été couronnée par un portrait de l’écrivain et prêtre de Chéronée. Le portrait est aujourd’hui disparu, son inscription, cependant, est encore là: “Delphes l’ont dédié à Plutarque de Chéronée, respectant  la commande des Amphictyons” (Syll.3 843 = CID 4, n ° 151.).
En dehors de ses fonctions de prêtre, l’œuvre littéraire de Plutarque est aussi en partie liée à Delphes et aux rites sacrées. Les œuvres les plus étroitement liées sont les “Sur la E de Delphes” et “Pourquoi Pythie ne donne pas maintenant oracles dans les versets”, alors que son œuvre la plus célèbre, à savoir les «Vies Parallèles» ont été écrites au cours des vingt dernières années de sa vie, lorsqu’il vivait à Delphes.

Sur un espace au-dessus du portique épigraphique du Musée de Delphes, qui atteint la hauteur du premier étage du musée, est exposé un pavement en mosaïque de la basilique paléochrétienne de la première moitié du 6ème siècle après J.-C, découvert en 1959 dans le village de Delphes moderne.
Il est richement décoré et combine des représentations symboliques géométriques, floraux, des animaux et des motifs anthropomorphes. La toile de la mosaïque est divisée en compartiments où plusieurs thèmes autonomes sont développés: les poissons et autres êtres maritimes, les oiseaux, les animaux sauvages et domestiques, anthemia, vases, un jeune berger. Le long de la nef centrale est conservée une partie d’une inscription dédicatrice ainsi qu’un médaillon rond avec une panthère mangeant un cerf, entourée de paons et des aigles aux ailes déployées. Dans les carrés des coins il y a des jeunes qui portent une corbeille pleine des fruits et un tas de blé, qui sont des personnifications des saisons. La mosaïque porte une inscription : ΚΑ [ΛΟΙ] ΚΑΙ [ΡΟΙ] (Bonnes les temps).
Analyse stylistique a prouvé qu’il était l’œuvre d’un atelier de mosaïque important.

Le décor sculpté de la Tholos au sanctuaire d’Athéna Pronaia constitue non seulement un élément pour dater le monument énigmatique à environs 380-370 av. J.-C., mais aussi l’un des points de repère  de la sculpture classique tardive et son étude. Malheureusement, les sculptures avaient déjà été détachées dans l’Antiquité tardive. Il a fallu des décennies d’études et de travaux de conservation pour que les chercheurs puissent tirer des conclusions et présenter les fragments d’une manière plus compréhensive. Selon eux, les métopes extérieures du bâtiment portaient des représentations de Amazonomachie et Centauromachie, tandis que la frise interne portait probablement des scènes des Travaux d’Hercule et de Thésée, bien que ça n’est pas certain.

En termes de style, les figures sur les métopes extérieures sont rendus en haut-relief, en manière plastique, qui rappelle les sculptures architecturales de l’Asclépieion d’Epidaure. Le torse d’une Amazone, exposé dans le musée de Delphes, bien que partiellement préservé, est très impressionnant avec son sens de circulation et les détails du vêtement. Le torse est légèrement tordu, afin de souligner le sens du mouvement, visible sur la partie supérieure des cuisses et dans la main gauche, qui doit avoir été soulevée. La figure porte un himation en draperie très délicate, attaché à la taille avec une bande mince. Une seconde bande traverse sous le sein.

Une des pièces les plus importantes du Musée archéologique de Delphes est la figurine dédalique d’Apollon. L’art Dédalique date du début de  l’époque archaïque et a été nommé d’après Daedalus, un homme mythique, inventeur et mécanicien, qui serait le premier à avoir fait des statues à l’hauteur humaine, qu’il faisait déplacer d’une manière naturelle. Le terme “daedala” a été utilisé aussi pour désigner les talismans de bois dans l’antiquité. L’art dédalique a été initialement développé en Crète dans le 7ème siècle av. J.-C., puis surtout dans les villes et les régions doriques. Son trait principal est qu’il a suivi les préceptes géométriques, même si les formes sont rendues dans une manière plus plastique. Les figures sont frontales, les mains collées sur les cuisses, tandis que la coiffure est formée en couches horizontales ressemblant une perruque.

La figure masculine nue du Musée de Delphes a la jambe gauche légèrement saillie et ses mains avec les poignées fermées touchent les cuisses. La taille est mince et entourée d’une ceinture métallique, tandis que la poitrine est robuste et clairement tracée. Le dos est presque plat, en dehors de l’indentation le long de la moelle épinière, qui devient plus profonde en bas. Le visage est triangulaire avec des lèvres intenses, petit nez pointu, les yeux placés loin des sourcils et l’un de l’autre. Les cheveux sont coiffés dans le style typique de la «perruque en couches”, formant cinq couches successives plus une, couronnant la tête.

La figurine constitue un précurseur des kouroi de pierre, comme ceux qui sont affichés dans le musée et identifiés avec Kleovis et Viton ou avec les Dioscures.
L’art dédalique en général est devenu particulièrement répandue dans la seconde moitié du 7ème siècle avant J.-C., puis elle a reculé une fois la sculpture archaïque et ses «écoles» locales sont développées. Parmi les exposants renommés du même style sont la “Dame d’Auxerre”, aujourd’hui au musée du Louvre, provenant probablement d’ Eleftherna, ainsi que la statue de Nikandre (beaucoup plus grand) au Musée Archéologique National d’Athènes  et des figurines de Délos, Eleftherna et Gortyna.